Дети в картинах Владимира Волегова.

Владимир Волегов известен своими картинами на которых он мастерски передал образ молодой  женщины и детей. 

Женщины в работах Владимира Волегова

Владимир Волегов известен своими картинами на которых он мастерски передал образ молодой  женщины и детей.

Родился Владимир в Хабаровске во времена Советского Союза, начал рисовать очень рано в три года и уже никогда не прерывал своего любимого занятия. Учился в художественной школе "Кривой Рог". После службы в армии Владимир Волегов поступил в Львовский полиграфический институт в бывшем Советском Союзе.

Начиная с 1984 года Владимир Волегов начал участвовать и побеждать в международных конкурсах искусства плаката. В 1988 году он переехал в Москву и в скором времени карьера Владимира Волегова в коммерческом искусстве была в полном разгаре. В 1990 году Владимир Волегов начал путешествовать в Европу, где он зарабатывал деньги, рисуя портреты на улицах Барселоны, Берлина, Вены и других европейских городах. Именно в это время Владимир оттачивал свои навыки в изображении фигуры человека.

За четырнадцать лет его искусство превратилось в поразительные образные работы, которые он создает сегодня. Яркая цветовая палитра и смелые приемы, создают выразительные образы, которые обладают бесконечной чувствительностью.

Посмотрите на эти замечательные картины.

Джордж Косински - его акварельные работы.

Акварельные работы от художника Джорджа Косински (George Kosinski) наполненные естественной яркостью природных красок. Художник сумел добиться эффекта погружения в картину, глядя на эти работы чувствуется некое единение с природой, эффект этого полного погружения удавалось достичь не многим художникам. Смотрите сами…

Акварель Myoe Win Aung. Мьянма в акварели.

Myoe Win Aung родился в 1972 году в столице Мьянмы Янгона. Он начал рисовать в 1989 году, а затем учился в государственной школе изобразительных искусств в Янгоне, по классу живописи.

На излюбленную тематику его картин очень сильно повлияла религиозная жизнь родной страны и конечно же буддизм. Его картины это повседневная жизнь в Мьянме: монахи и монахини, буйволы, телеги, семейные сцены на работе и в играх. И, конечно, пейзажи с удивительной архитектурой Мьянмы.

Гиперреализм или точное,фотореалистичное воспроизведение действительности.

Гиперреализм  (англ. Hyperrealism — сверхреализм; другие названия — суперреализм, фотореализм, холодный реализм, радикальный реализм), направление в изобразительном искусстве последней трети 20 в., сочетающее предельную натуральность образов с эффектами их драматического отчуждения. Живопись и графика тут зачастую уподобляются фотографии, скульптура представляет собой натуралистические тонированные слепки с живых фигур. Многие мастера гиперреализма (живописцы Ч. Клоуз и Р. Эстес, скульпторы Дж. де Андреа, Д. Хэнсон в США) близки поп-арту с его пародиями на фотодокумент и коммерческую рекламу; другие же непосредственно продолжают линию магического реализма, сохраняя более традиционные структуры станковой композиции.

Магистральным для гиперреализма является точное, бесстрастное, внеэмоциональное воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии: принцип автоматизма визуальной фиксации, документализм. Гиперреализм акцентирует механический, «технологичный» характер изображения, добиваясь впечатления гладкописи при помощи лессировки, аэрографии, эмульсионных покрытий; цвета, объемы, фактурность упрощаются. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма — реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, макрофотографический портрет «человека с улицы», создается впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности. Вместе с тем, наряду с тенденциями «масс-медиатизации» искусства, в гиперреализме присутствует и поисковый, экспериментальный пласт, связанный с усвоением наиболее передовых технологий и приемов фотографии и киноискусства: крупный план, детализация, оптические эффекты, монтаж, полиэкран, авторская раскадровка, съемка с высокой точки и т.д. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств. Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило, распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить проявление индивидуального почерка художника.

Геометрический абстракционизм - течение в абстрактном искусстве.

Геометрическая абстракция ( другие названия — холодная абстракция, логический, интеллектуальный абстракционизм) — течение в абстрактном искусстве в основе которого лежит создание художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий.

С момента возникновения абстракционизма в нем четко определились два направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Если символика геометрического абстракционизма призвана отразить некие устойчивые «субстанциональные» состояния, то абстракции Кандинского и его последователей, наполненные пульсирующими формами, сложными ритмами и мерцающим цветом, сосредоточивают внимание на динамике процесса. После Второй мировой войны эстетические концепции абстракционизма теряют свою метафизическую символику: абстрактная форма теперь соотносится лишь с теми или иными проявлениями природы и социального мира или рассматривается как фиксация психических состояний художника. Последнее обстоятельство превратило понятие «абстракционизм» в расхожий символ формализма в различных сферах искусства.

Готика - стиль в живописи.

Готика - период в развитии средневекового искусства, охватывающий почти все области материальной культуры и развивающийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Хотя термин «готический стиль» чаще всего применяется к архитектурным сооружениям, готика охватывала также скульптуру, живопись, книжную миниатюру, костюм,орнамент.

Готика зародилась в середине XII века на севере Франции, в XIII веке она распространилась на территорию современных Германии, Австрии, Чехии, Испании, Англии. В Италию готика проникла позднее, с большим трудом и сильной трансформацией, приведшей к появлению «итальянской готики». В конце XIV века Европу охватила так называемая интернациональная готика. В страны Восточной Европы готика проникла позднее и продержалась там чуть дольше — вплоть до XVI века.

Разнообразие стилей и мотивов живописи в эпоху готики, осложнявшееся стилистическими различиями между отдельными регионами, не позволяет нам дать готовую 'формулу', которая определила бы, что такое готическая живопись. Впрочем, многих исследователей это разнообразие не пугает: несмотря на все затруднения, они все же пытались сформулировать ясные принципы интерпретации готической живописи и ее основные характеристики. Чтобы выработать формулировку такого рода, необходимо провести четкие границы, — в данном случае границу между искусством готики и искусством Ренессанса.

Гиперманьеризм - одно из течений постмодернистской живописи.

Гиперманьеризм - (ipermanierismo — Итал.) - -одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого.

Гиперманьеризм возник в Италии в конце 70-х, а в начале 80-х — во Франции. Его важнейшим идейным источником стало творчество Джорджо де Кирико. Гиперманьеристы (или анахронисты) вдохновляются искусством мастеров прошлого (Возрождения, маньеризма, барокко), которых они перефразируют, пародируют. По сути своей, гиперманьеристы — стилизаторы, обратившиеся к анализу искусства прошлого.

Гиперманьеризм  возник в Италии в начале 80-х гг. (термин ввел художник -  критик  И. Томаччони). Его важнейшим духовным источником яляется творчество  Джорджо де Кирико. Среди ближайших предшественников — итальянские художники и искусствоведы 70-х гг. (Л. Онтани, Д. Паолини), обратившиеся к критическому анализу истории искусства с позиций концептуализма.

Гиперманьеризм  — парадоксальное сочетание «возврата к живописности» с концептуальным проектированием творчества; его результатом явились полистилистика, полижанровость, сложное переплетение живописного и литературного, широко применяется в кинемотаграфии.

Граффити. Искусство "царапать" стены.

Граффити (итал. Graffiti, от graffiare — царапать; другое название spray-art — «пульверизаторное искусство») — произведения, представляющие собой крупноформатные изображения на стенах зданий и сооружений, выполненные с помощью аэрозольных баллончиков с краской.

Граффити  — движение в искусстве, возникшее в молодежной культуре США и распространившееся в Европе 1960—1970-х гг. Граффити — искусство улиц, и художники, в основном молодые люди, используют в качестве живописного материала разноцветные спреи (краски в баллончиках). Роль холста играют стены зданий, общественный транспорт, заборы. Некоторые представители этого направления рисуют разноцветными мелками, например Кейт Харинг. Как широкое движение оформился в 1970-е гг. с массовым появлением разных надписей на вагонах нью-йоркского метро, на стенах общественных зданий и магазинов. Первыми граффитистами были выходцы из этнических меньшинств и маргиналы, выражавшие подобным образом протест против своего бесправного положения. К началу 1980-х гг. сформировалось уже целое направление полупрофессиональных художников, некоторые даже пытались выставлять свои творения в галереях и получили известность в художественных кругах.

Гохуа - направление в китайской живописи.

Гохуа  (чжунгохуа) — традиционалистское направление в китайской живописи, возникшее на рубеже XIX-XX вв.; живопись минеральными и растительными водяными красками и черной тушью, для нее характерно применение выработанных в древности приемов и сохранение традиционных средневековых жанров.

Живопись гохуа — это традиционная китайская живопись. Как утверждают историки, истоки китайской живописи восходят к узорам и изображениям людей и животных на расписной керамике неолита, отдаленного от нас на 5−6 тысячелетий.

С самого начала китайской живописи образы создавались посредством линейного рисунка. Это одна из отличительных черт китайской живописи по сравнению с европейской. В западных традиционных картинах маслом, в акварелях можно совсем не заметить линию, как таковую. В китайской же живописи, наоборот, редки произведения, творцы которых обходились без нее.

Китайская живопись требует разносторонней подготовки художника. Приступая к рисованию, художник, как правило, уже обдумал стихотворное сопровождение, которое он надпишет на картине, каллиграфический стиль, каким он напишет это сопровождение, и место, где лучше всего поставить печать. Стихотворная надпись призвана дополнить образное содержание картины, сделать все произведение гармоничным. Красный цвет печати, контрастируя с черно-белым и цветным фоном картины, придает картине особый нюанс, делает ее законченной. В целом картина должна стать органическим единством поэзии, каллиграфии, живописи и граверного искусства (последнее проявляется в оттиске с печати).

Гун-би - техника китайской живописи.

Гун-би — «тщательная кисть» — техника традиционной китайской живописи, соответствующая стилистическому направлению се шэн («писать жизнь/натуру»). Предназначена для тонкого письма, передающего мельчайшие детали изображаемого объекта.

Применяется как для зарисовок с натуры, так и для прописывания отдельных элементов композиции или всего произведения. Основу техники гун-би составляют моделирующие штрихи цунь. Каждому из десятков видов штрихов соответствует определенный угол наклона кисти, сила ее нажима и направление прописывания.

Штрихи накладываются в строго определенной последовательности. Техника подразумевает многократное прописывание высохших слоев, что позволяет создавать богатые колористические эффекты. Техника гун-би применялась во всех жанрах традиционной китайской живописми.

Дадаизм - направление в искусстве.

Дадаизм  -  (dadaism  - франц. dada — деревянная лошадка), в переносном смысле — бессвязный детский лепет, авангардистское литературно-художественное течение в европейском и американском искусстве, возникшее как протест против традиционных моральных и культурных ценностей.

Дадаизм возник в Цюрихе, в Швейцарии, придерживающейся во время войны нейтралитета. В то время в Швейцарию ехали со всей Европы беженцы, высланные из родной страны люди, а также дезертиры. У слова дадаизм есть несколько значений, это и деревянная лошадка, от французского dadaisme, и двойное согласие «да-да» в русском и румынском, и в переносном смысле детский бессвязный лепет, — в общем дадаизм не имеет точного толкования, что и нужно было основателям этого течения, которое имеет размытые рамки. Дадаизм даже часто называют антиискусством.

Декаданс в живописи.

Декаданс (от франц. decadence или от лат. decadentia — упадок) — направление в литературе и искусстве конца XIX — начала XX вв., отличающееся сопротивлением общественной «мещанской» морали, культом красоты как самодовлеющей ценности, которая часто идёт наряду с эстетизацией греха и порока, двойственными переживаниями отвращения к жизни и искусного наслаждения ею. Декаданс — одно из центральных понятий в критике культуры Ф. Ницше, который связывал декаданс с возрастанием роли интеллекта и ослаблением изначальных жизненных инстинктов, «воли к власти». Период декаданса пропитан безнадёжностью, разочарованием, упадком жизненных сил и эстетизмом.

Традиционное искусствознание рассматривает декадентство как обобщающее определение кризисных явлений европейской культуры 2-й половины XIX — начала XX веков, отмеченных настроениями уныния, пессимизма, болезненности, безнадёжности, неприятия жизни, крайнего субъективизма (при сходственных, близких к тенденциозным, эпатирующих формулах и штампах — стилистических приёмах, пластике, композиционных построениях, акцентуациях и т. д.). Это сложное и противоречивое явление в творчестве вообще, имеет источником кризис общественного сознания, растерянность многих художников перед резкими социальными контрастами, — одиночество, бездушие и антагонизмы действительности. Отказ искусства от политической и гражданских тем художники-декаденты считали проявлением и непременным условием свободы творчества. Постоянными темами являются мотивы небытия и смерти, отрицание исторически сложившихся духовных идеалов и ценностей.

Гжель

Гжель — это один из крупнейших гончарных промыслов не только в Московской области, но и во всей России, в котором участвуют около 30 сел и деревень бывшей Гжельской волости. Первые упоминания в летописях об этих краях восходят еще ко времени правления Ивана Калиты. Гончарными ремеслами здесь занимались издавна, изготовляли всевозможные тарелки, квасники, игрушки, расписанные керамическими красками. Мастера Гжели постоянно находились в поиске новых форм и технологий производства керамики. Примерно до 14 века в Гжели изготавливали гончарную посуду, а начиная с 17 века начали делать «чернолощеную» керамику, «муравленую» посуду, которая имела свойство не пропускать воду. «Муравленой» называли посуду, покрытую глазурью, обычно коричневой или зеленоватой.

Гжельские изделия привлекают к себе всех, кто любит прекрасное, богатой фантазией и гармоничностью, высоким профессионализмом их создателей. Гжель — это колыбель и основной центр русской керамики. Здесь сформировались ее лучшие черты и проявились высшие достижения народного искусства.

Дивизионизм - стиль в живописи.

Дивизионизм  - ( фр. divisionnisme, от deviser — делить) — живописный метод, основанный на целенаправленном разложении сложного цветового тона на спектрально чистые цвета, которые точками различной конфигурации наносятся на холст, а затем при восприятии картины зрителем с определенного положения оптически сливались в нужный художнику цвет в сетчатке глаза.

Элементы дивизионизма ярко проявляют себя уже в пленэрной живописи импрессионистов, которые использовали этот метод скорее интуитивно, руководствуясь эмоциями и наблюдательностью, нежели знаниями и рассудком.

Основоположниками дивизионизма считаются художники-неоимпрессионисты Жорж Сёра и Поль Синьяк, которые попытались довести до логического завершения эмпирические находки своих предшественников, соединив воедино искусство и науку. Опираясь на психофизиологию восприятия цвета и теоретические труды Эжена Шеврёля , Огдена Руда и Германа Гельмгольца, они научно обосновали новый живописный метод и практически применили его в своем творчестве.

Древнерусское искусство,древнерусская живопись.

Древнерусское искусство — одно из самых замечательных явлений народного творчества. Созданные древнерусскими художниками произведения по праву получили в наше время мировую известность.

Древнерусская живопись привлекает яркостью красок, удивительной выразительностью образа, ясностью композиций. Тонкий вкус и понимание цвета, глубина, сдержанность и благородство в выражении чувств, терпение и любовное отношение к творческому труду были свойственны древнерусским художникам. Русские мастера овладели техникой живописи и приемами, шедшими из глубины веков, из Византии, откуда с введением христианской веры пришел к нам культ святых и способы их изображения. В условиях феодализма, стесненные церковными правилами, древнерусские художники сумели тем не менее создать шедевры в области живописи, архитектуры и скульптуры. Первый расцвет древнерусского искусства падает на XI-XII века — эпоху Киевского государства. Утонченность и совершенство, с которыми выполнены наиболее ранние из дошедших до нас памятников древней живописи (мозаики и росписи Софийского собора в Киеве, собора Михайловского монастыря, иконы, предметы ювелирного искусства), говорят о существовании в то время крупных художников.

Первоначальный период нашей живописи очень сложен, образы в иконах лишены того примитивного характера, который свойствен начинающему искусству.

Живопись жёстких контуров

Живопись жёстких контуров - (Hard-edge painting) — живопись, которая содержит фигуры (часто, но не обязательно, геометрические) с резкими, чёткими контурами. Этот стиль связан с геометрической абстракцией, постживописной абстракцией и живописью цветового поля. Термин был предложен писателем, куратором и арт-критиком «Лос-Анджелес Таймс» Жюлем Лангснером (англ.) в 1958 году. Хотя это определение можно было бы применить и к таким направлениям как пуризм, чаще под живописью жёстких контуров подразумевают тип живописи, который возник как реакция на спонтанность и живописную технику абстрактного экспрессионизма.

В конце 1950-х Лангснер и Peter Selz, в дальнейшем профессор Claremont Colleges, заметили общие черты в работах John McLaughlin, Lorser Feitelson, Karl Benjamin, Frederick Hammersley и Helen Lundeberg. Лангснер был куратором выставки Four Abstract Classicists открытой в Los Angeles County Museum of Art в 1959. Эта выставка получила подзаголовок California Hard-edge, который был добавлен британским арт-критиком и куратором Lawrence Alloway, когда демонстрировалась в Великобритании. Затем термин получил более широкое применение, когда Alloway использовал его для описания современной американской геометрической абстракции.

Живопись цветового поля - абстрактная живопись больших плоскостей.

Живопись цветового поля (англ. Color Field) — род абстрактной живописи, в основе которой лежит использование больших плоскостей однородных цветов, близких по тональности и не центрированных. Термин принадлежит американскому историку и теоретику авангардного искусства Клементу Гринбергу.

Клемент Гринберг - американский арт-критик, оказавший большое влияние на развитие современного искусства
 Авангард и китч

Клемент Гринберг родился в Бронксе старшим из трёх сыновей в семье еврейских иммигрантов из Российской Империи. Известность как арт-критику Гринбергу принесла его статья «Авангард и китч», впервые опубликованная в троцкистском журнале «Partisan Review» осенью 1939 года.

В статье Гринберг противопоставляет две главных, по его мнению, тенденции в искусстве — авангард, как продолжение академического искусства в новых условиях и китч, как порождение буржуазной пропаганды. Авангард и искусство модернизма, как писал Гринберг, были способом сопротивления уничтожению культуры буржуазной пропагандой.

Иероглифический или каллиграфический абстракционизм.

Иероглифический абстракционизм  - (другое название каллиграфический абстракционизм) — течение в абстрактной живописи, в основе которого лежит имитация приемов китайской и японской каллиграфии (искусства красивого и четкого письма).

Особенностью иероглифического абстракционизма является манера письма: свободно нанесенные мягкой кистью мазки уподобляются знакам восточной письменности, идеограммам, сграффити, клинописным иероглифам. Совмещая, стилизуя, интерпретируя их, художник создавал свою форму письменности, с помощью которой «писал» послание людям.

Основателем этого направления считается американский художник-абстракционист Марк Тоби (1890—1976). В середине 1930-х годов он путешествовал по Дальнему Востоку, где изучал искусство каллиграфии и философию дзэн-буддизма. Увлечение культурными традициями Китая и Японии вылилось в создание им нового стиля — «абстрактного каллиграфизма», который сам Тоби называл «белыми письменами». Суть его была в том, что холст полностью покрывался каллиграфическими элементами, из которых нельзя было выделить какие-либо отдельные формы.

Боди-арт или искусство тела.

Боди-арт — (англ. body-art — искусство тела) — одна из форм авангардного искусства, где главным объектом творчества становится тело самого художника (или модели), а содержание раскрывается с помощью поз, жестов, а также нанесенных на тело знаков. Тело рассматривается как вещь для манипулирования, объект собственности, которым каждый вправе распоряжаться по своему усмотрению, при этом повышенный интерес художники проявляют к пограничным экзистенциальным ситуациям: жизнь — смерть, Эрос — Танатос, сознание — бессознательное; другая доминанта в Боди-арт — садомазохистские мотивы, фрейдистская символика, сексуальная самоидентификация. Будучи проявлением акционизма, Боди-арт сближается (но не тождествен) с рядом явлений, возникших в русле контркультуры (в частности панк-культуры 1970-х гг. с ее проблемами агрессии и саморазрушения) — татуированию и раскрашиванию тел, нудизму, «сексуальной революции».

Видео-арт - направление в изобразительном искусстве.

Видео-арт  — (англ. video-art — видеоискусство) — направление в изобразительном искусстве последней трети XX в., использующее для выражения своей художественной концепции возможности видеотехники, компьютерного и телевизионного изображения.

Появление видео-арта связывают с началом выпуска японской фирмой «Sony» портативных видеокамер, а основоположником считают американца корейского происхождения Нам Джун Пайка, снявшего с помощью такой камеры первое произведение видео-арта — проезд Папы Римского по улицам Нью-Йорка.

Инсталляция - художественная пространственная композиция.

Инсталляция — (англ. installation — сборка, установка, размещение, монтаж) — пространственная композиция, созданная художником из различных элементов — бытовых предметов, промышленных изделий и материалов, природных объектов, фрагментов текстовой и визуальной информации; способ экспозиции художественных произведений, благодаря которому выставленные объекты активно распространяются в пространстве, «привязываясь» к нему, подобно некой сценической конструкции, занимая порой целые залы.

Звериный стиль. Изображение животных.

Условное наименование широко распространённого в древнем декоративно-прикладном искусстве Азии и Европы типа декора, отличительной чертой которого были стилизованные изображения отдельных животных, частей их тепа или сцен борьбы зверей.

Хотя изображения животных (наскальные росписи, мелкая и монументальная пластика) появились в искусстве в эпоху палеолита и широко встречаются в памятниках первобытной художественной культуры в Европе, Азии, Африке и др. районах, звериный стиль как характерный вид декора сложился и широко распространился (преимущественно в степях и лесостепях Евразии) в железном веке (1-е тыс. до н. э.), в эпоху разложения родоплеменного строя и формирования военной демократии. Его происхождение связано с пережитками тотемизма (культа животных — прародителей рода) и утверждением роли воина — племенного вождя.

Первоначально декор в зверином стиле характерен для оружия и деталей конской упряжи, но впоследствии широко встречается в ювелирном искусстве (на ожерельях, браслетах, ручках зеркал и т. п.). В наиболее развитом виде звериный стиль выступает у скифов, саков, древних алтайцев, фракийцев и сарматов и ведёт своё происхождение, по мнению ряда исследователей, от древнего искусства Передней Азии.

Интимизм - стиль живописи.

Интимизм  - (фр. intime от лат.intimus — самый глубокий, внутренний) — разновидность жанровой живописи, получившая развитие в работах художников-неоимпрессионистов. «Интимистами» критики называли членов группы Наби, в частности Пьера Боннара и Эдуарда Вюйара, главной темой творчества которых было изображение частной жизни человека, ее неспешно текущих событий, радостей и удовольствий. Сцены семейных обедов, бесед на террасе и прогулок в вечерний час, веселых игр, полуденного отдыха, чтения книг и занятий рукоделием — типичные сюжеты их произведений.

Важной составляющей работ художников-интимистов были цвет и композиция. При помощи цвета они организовывали пространство произведения, создавая ощущение единства и логического завершения. Стремясь передать атмосферу домашнего уюта и тепла, интимисты использовали палитру сложных цветовых оттенков, в которых преобладали теплые хроматичные тона. Не последнюю роль в их картинах играл свет: мягкий, электрический, льющийся из-под абажура лампы, или яркий солнечный, но каждый раз являющийся частью создаваемого художником необходимого картине настроения. Вообще, настроение — суть интимизма. Боннара и Вьюйара мало интересуют люди, они, скорее стаффажные фигурки, размещенные в художественном пространстве, нежели главные герои полотен.

Информализм или информель - стиль в живописи.

Информализм — направление в искусстве, которое возникло в середине 20-го века во Франции, а точнее в ее столице, в Париже. Зачастую под этим понятием объединяют разные течения в абстрактном направлении искусства, которое возникло после Второй мировой войны в Европе.

Определение «Информализм» можно применить в роли собирательно для множества течений в абстрактом искусстве 50-х годов. К примеру, ташизм можно рассматривать как своеобразную категорию информализма, так и появившееся из него отдельное художественное течение. Информализм считается таким же емким понятием, как и лирическая абстракция, которая появилась приблизительно в то же время.

Информализм организовался в 1945−46 годах в столице Франции, в рамках известной и почитаемой «Парижской школы», в роли противоположности геометрическому абстракционизму. Название данному художественному направлению дало наименование «signifiance de l’informel», которые было использовано в те годы на парижской выставке искусств. В 1948-м году ввиду набравшего популярность течения информализма создается художественная группа деятелей искусств КОБРА.

Искусство аутсайдеров или искусство со стороны.

Искусство аутсайдеров - (англ, outside-art — искусство со стороны) — художественное направление в мировом искусстве, получившее широкое распространение с конца XX в. Искусство аутсайдеров, или «посторонних», включает в себя творчество людей, находящихся вне общества, — душевнобольных, инвалидов, заключенных, детей, всевозможных маргиналов.

Описание ментальных (патологических) состояний, связанных с проведением разного рода ритуалов, обнаруживается еще в греко-римской культуре. В христианской иконографии точное отображение признаков душевной болезни содержали изображения изгнания дьявола из людей. Сюжеты с прокаженными, изгоями, «повредившимися в уме» особенно распространены в средневековом искусстве (творчество П. Брейгеля Старшего и И. Босха). Радикальный поворот в сторону интереса к обитателям «домов безумных» связан с XVIII веком и господствующим тогда в искусстве романтизмом, породившем идею близости гениальности и помешательства. Конец XIX — начало XX вв. ознаменованы исследованиями творчества душевнобольных, представленных в крупных коллекциях врачей-психиатров В. Моргентхаллера, Г. Принцхорна. Опубликованные сведения вызвали огромный интерес со стороны как отдельных художников (П. Пикассо, П. Гоген), так и целых направлений (экспрессионизм, сюрреализм, абстракционизм), считающих самовыражение людей, не затронутых цивилизацией, истинным творчеством. В конце 1940-х гг. французский художник Ж. Дюбюффе выдвинул концепцию антикультурного искусства (Ар брют), к которому он относил любого рода произведения «несущие спонтанный и в высшей степени изобретательный характер и почти совсем не зависящие от общепринятого искусства и культурных шаблонов». Он стал создателем первой самой крупной коллекции работ аутсайдеров, легшую в основу музея Ар брют.

Искусство действия или абстрактный экспрессионизм.

Абстрактный экспрессионизм или Искусство действия, абстракция жестов  - (от англ. action painting) — направление в американской живописи середины ХХ века, в котором краска спонтанно наносится на холст. Искусство действия аналогично абстрактному экспрессионизму.

Абстрактный экспрессионизм послевоенный (кон. 40-х — 50-е гг. XX в.) этап развития абстрактного искусства. Сам термин еще в 20-е гг ввел немецкий искусствовед Э. фон Зюдов (E. von Sydow) для обозначения некоторых аспектов искусства экспрессионистов. В 1929 г американец Барр применил его для характеристики ранних работ Кандинского, а в 1947 г. назвал «абстрактно-экспрессионистскими» работы Виллема де Кунинга и Поллока. С тех пор понятие абстрактного экспрессионизма укрепилось за достаточно широким, стилистически и технически пестрым полем абстрактной живописи (а позже и скульптуры), получившей бурное развитие в 50-е гг. в США, в Европе, а затем и во всем мире. Прямыми родоначальниками абстрактного экспрессионизма считаются ранний Кандинский, экспрессионисты, орфисты, отчасти дадаисты и сюрреалисты с их принципом психического автоматизма. Философско-эстетическим основанием абстрактного экспрессионизма во многом явилась популярная в послевоенный период философия экзистенциализма.

Главными центрами зарождения Абстрактного экспрессионизма были Париж (в частности, Ecole de Pans), где после войны собралось большое количество художников со всего мира, и США. Среди ведущих фигур Абстрактного экспрессионизма в Европе можно назвать Roger Bissiere, основателя Ecole, Пьера Сулажа, Ганса Гартунга, Николая Де Сталя (Nicolas de Stael), представителей группы «Кобра» ( А. Ерн (Asger Jorn), П.Алехински, К. Аппель). В США— это Аршил Горки, Уильям де Кунинг, Адольф Готтлиб, Барнет Нойман, Джексон Поллок, Марк Ротко. Наряду с группой «Кобра», участники которой нередко вводили в свои картины элементы видимой действительности и использовали предельно яркие кричащие цвета и их сочетания (особенно К. Аппель), в Абстрактном экспрессионизме выделяют такие направления, как ташизм, живопись действия, информель.

Импрессионизм - стиль в живописи.

Импрессионизм (фр.impressionisme, от impression — впечатление) — художественное направление в искусстве, возникшее во Франции во второй половине XIX в.
 Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления
 Новое движение возникло как реакция на застой господствующего в те годы академизма, однако его появление было подготовлено несколькими факторами: изобретением 1839 г. Л. Дагером фотографии, внесшей в искусство новое видение; научными открытиями Э. Шёвреля и О.Руда в области цветоделения; появлением в 1941 г. оловянных тюбиков для скоропортящихся красок, давших возможность художникам работать на пленэре. Благодатную почву для развития импрессионизма подготовили художники Барбизонской школы: они первыми стали писать этюды с натуры.

Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха» лег в основу пленэрной живописи импрессионистов.

Кано - японская школа живописи.

Кано — японская школа живописи, развивавшаяся на протяжении 2-й половины XV—XX вв. Развивала приемы школы Тоса и традиции монохромной живописи. Крупнейшие представители: Кано Масано-бу, Кано Мотонобу, Кано Эйтску.

Японский художник Кано Масанобу (Kano Masanobu, 1424 — 1530) является основателем школы Кано. Он родился в округе Идзу, жил в конце периода Муромати и стал официальным художником семьи сегуна Асикага. Кано Масанобу находился под влиянием творчества художника-священника Tenshō Shūbun и, возможно, был его учеником. От него, вероятно, влияние дзэн в творчестве Кано Масанобу, хотя мастер никогда не был чистым религиозным художником. Кано Масанобу писал пейзажи и птиц, главным образом чернилами с редкими штрихами бледного оттенка. Работы проникнуты японским духом, хотя и отражают китайское влияние. Художник работал в стиле суйбоку (suiboku), это японское название китайского стиля гохуа, техники традиционной китайской живописи на шёлке и/или бумаге, в которой используются тушь и водяные краски. Работ мастера сохранилось немного, в основном это монохромная живопись, хотя есть и картины в цвете. Он стал основателем целой династии художников, его сын — Кано Мутонобо — усовершенствовал технику и стиль живописной школы Кано, но наибольшей известности добился внук — Кано Эйтоку. Работы Кано Масанобу тушью в стиле суйбоку органично стали составной частью монохромной живописи суми-э, хотя и были созданы вне стен дзэнских монастырей.

Караваджизм стиль живописи эпохи барокко.

Караваджизм — стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века.

Караваджизм (название произошло от имени основателя — Меризи да Караваджо) — стиль европейской живописи периода барокко. Зародился в конце шестнадцатого века в Риме. Основоположниками стиля являются Караваджо и его последователи. Микеланджело Меризи да Караваджо (1571 — 1610) — итальянский художник. Является величайшим реформатором живописи Западной Европы. Целью его творчества было отображение реальности. Такая манера изображения являлась в ту эпоху революционной. Хотя маньеризм позднего Возрождения позволил таким гениальным художникам, как Россо Фьорентино, Пармиджанино и Приматиччо исследовать и другие пути — более таинственные и «приземлённые», которые продлевали существование эстетических канонов, неизменно статичных, так как считалось, что главная функция искусства — в представлении «иного, идеального мира», резко контрастного по сравнению с обыденностью реальной жизни. Для караваджизма присущ подчёркнутый реализм в изображении предметов, интерес к натуре.

Кинетическое искусство

Кинетическое искусство — искусство, использующее реально изменяющиеся или перемещающиеся формы во взаимодействии со светом, музыкой, пространством, называют кинетическим. Строго говоря, его нельзя считать только современным. Двигающиеся по кругу статуи апостолов на здании ратуши в Праге, заводные куклы, пестрые карусели — вот далеко не полный перечень попыток украсить движением окружающий предметный мир. Изощренного искусства достигало устройство фонтанов и каскадов, фейерверков. Все это доказывает, что реальное движение уже давно стало для человека не просто средством достижения какой-либо цели, но и предметом бескорыстного восхищения, воссоздать которое он и стремился.

Современное кинетическое искусство располагает одновременно возможностями света, цвета, многих материалов, звука, кроме того, оно может решить практически любую программу их взаимодействия. Не следует, впрочем, думать, что эти средства должны быть использованы обязательно вместе. Как и в традиционном искусстве их выбор идет от сложившегося в сознании образа, и тут действует скорее принцип самоограничения, чем «расточительства».

Китч или псевдоискусство.

Китч (нем. Kitsch), кич — термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. Особое распространение получил в оформлении бульварной печатной продукции, кино и видео, гей-сообществах, в различных формах стандартизованного бытового украшения. Как элемент массовой культуры — точка максимального отхода от элементарных эстетических ценностей и одновременно — одно из наиболее агрессивных проявлений тенденций примитивизации и опошления в популярном искусстве.

Китч — это подделка под что-то ценное. Слово прилетело к нам, видимо, из немецкого: глагол kitschen был введён в обращение около 1860 г. Хотя некоторые относят его к английскому sketch («набросок»). Смысл китча сводится к двум понятиям 1. Что-то дешёвое, низкое, бульварное. 2. Популярное, гламурное, звёздное. Чаще всего мы видим как раз синтез: дешёвый гламур. Есть китч явный и скрытый, который не сразу распознаешь. Явный китч — это, например, шоколадка «Икона», продающаяся, увы, в магазинах при Храме Христа Спасителя от имени фонда этого храма, на обёртке которой напечатан лик Пречистой Девы. У нас на рынке продаются коврики с ликом Спасителя. А около кулинарии каждые выходные стоит тётенька, торгующая посудой, в ассортименте которой есть блюдца, расписанные ликами святых и Богородицы. Примеры подобного безумия, которых сегодня, увы, стало слишком много, свидетельствуют о глубочайшем кризисе культуры, который не обошёл стороной и людей, считающих себя церковными. Ну и — календари с котятами, садовые гномики, пасхальные зайцы, открытки в розочках и бантах. Я бы назвала это уличным китчем.

Классицизм - стиль в живописи и искусстве.

Классицизм — художественный стиль в европейском искусстве 17-начала 19 века, одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону. Классицизм, развивавшийся в острополемическом взаимодействии с барокко, в целостную стилевую систему сложился во французской художественной культуре 17 века. Лежащие в основе классицизма принципы рационалистической философии обусловили взгляд теоретиков и практиков классического стиля на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственно воспринимаемой жизни.

Лежащие в основе классицизма принципы рационалистической философии обусловили взгляд теоретиков и практиков классицизма на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственно воспринимаемой жизни. Ориентация на разумное начало, на непреходящие образцы определила твердую нормативность этических требований (подчинение личного общему, страстей — разуму, долгу, законам мироздания) и эстетических запросов классицизма, регламентацию художественных правил; закреплению теоретических доктрин классицизма, способствовала деятельность основанных в Париже Королевских академий — живописи и скульптуры (1648) и архитектуры (1671). В живописи классицизма основными элементами моделировки формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет пространственные планы картины (отмеченные возвышенностью философско-этического содержания, общей гармонией произведения Н. Пуссена, основоположника классицизма и крупнейшего мастера классицизма 17-го века; «идеальные пейзажи» К. Лоррена). Классицизм 18 — начала 19 вв. (в зарубежном искусствознании он часто именуется неоклассицизмом), ставший общеевропейским стилем, также формировался преимущественно в лоне французской культуры, под сильнейшим влиянием идей Просвещения. В архитектуре определились новые типы изысканного особняка, парадного общественного здания, открытой городской площади (Ж.А Габриель, Ж.Ж. Суфло), поиски новых, безордерных форм архитектуры. стремление к суровой простоте в творчестве К.Н. Леду предвосхищали зодчество поздней стадии классицизма — ампира. Гражданский пафос и лиричность соединились в пластике Ж.Б. Пигаля и Ж.А. Гудона, декоративных пейзажах Ю. Робера. Мужественный драматизм исторических и портретных образов присущ произведениям главы французского классицизма, живописца Ж.Л. Давида.

Концептуализм или концептуальное искусство.

Концептуализм - (от латинского «conceptus» — «мысль» «идея», представление), концептуальное искусство — одно из наиболее распространенных направлений в культуре неоавангардизма второй половины XX в. Оно возникло и сложилось как культурный феномен в 1960-х. Концептуализм принципиально отказался от воплощення мысли, идеи в материале, что свело творчество исключительно к феномену сознания, к мысли, очищенной я ее материального воплощения воспринятой как некая форма и структура вне смыслового значения предложенного текста. Концептуализм отвергает принципы изобразительности и выразительности как «отвлекающие» от предложенной идеи, и это выводит концептуальные тексты за пределы xyдожественного творчества, собственно искусства, делает особой деятельностью в сфере культуры. Концептуалистские объекты существуют в виде набросков письменно или устно изложенных проектов, фраз или пространных текстов, написанных от руки или с помощью компьютеров, пишущих машинок или принтеров; материальные средства воплощения текстов при этом служат лишь возбудителями умственных представлений, а создаваемым объектом является мысленная форма, структура. Искусство замещается идеей искусства. Своих приверженцев концептуализм находит в среде художников, приученных в XX в. ко все более решительному выходу искусства во вне художественные сферы. Концептуализм освоил аудиозапись и видеозапись, фотографию, киносъемку, внедрился в различные знаковые системы, ищет формы фиксации идеи в формулах, чертежах, таблицах, в разного рода рукотворных объектах и нередко даже в природных объектах, приспособленных для этой цели. Теория концептуализма сложилась под влиянием идей лингвистической философии, логического позитивизма, новейших школ психологии и языкознания. Наиболее влиятельным объединением концептуалистов стала английская группа «Искусство — язык», издававшая одноименный журнал. В группу входили Терри Аткинсон, Майкл Болдуин, Дейвид Бсйнбридж, Харолд Харрел. американец Джозеф Кошут.

Клуазонизм - стиль в живописи.

Клуазонизм - (от фр. cloison — перегородка) — живописная система, разработанная в 1887 г. французскими художниками Эмилем Бернаром и Луи Анкетеном, позже воспринятая Полем Гогеном и легшая в основу его живописного «синтетического» символизма.

Название «клуазонизм» напоминает о технике перегородчатой эмали (клуазон), где цветовые зоны отделены друг от друга специальными перегородками из металла, совпадающими с контурами изображений. Революционность этой системы состояла в отказе от использования на полотне цветовых переходов и полутонов, так как все цвета разделялись извилистыми, причудливо изгибающимися контурными линиями, напоминающими перегородки. Подобная техника придавала изображению предельную плоскость и декоративность, а фигуры воспринимались как плоские тени, наложенные на живописную поверхность.

Конструктивизм - художественное направление в советском искусстве 1920 годов.

Конструктивизм -  (от лат. Construction — построение) — художественное направление в советском искусстве 1920-х гг., возникшее в 1917 г. В рамках поздней «конструктивной» стадии стиля модерн.

Начало массовому движению было положено в 1921 г. С созданием рабочей группы конструктивистов, развернувшей активную деятельность в различных сферах художественного творчества. В первые годы советской власти формирование конструктивизма происходило в тесном взаимодействии архитекторов и дизайнеров с авангардистскими течениями изобразительного искусства (супрематизм, футуризм), на основе которого выросли формально-эстетические поиски главных представителей течения — А.Родченко, Э.Лисицкого, В.Татлина

Приверженцы конструктивизма стремились к революционному переустройству жизни, объединению личного и общественного бытия, внедрению производственного искусства в жизнь и быт, провозгласили новые эстетические идеалы, такие как простота, демократичность, утилитаризм предметного мира. Теория производственного искусства, основанная на принципах функциональности и лаконичной выразительности объекта, удобного для массового производства, дала огромный толчок развитию всевозможных форм дизайна — художественному конструированию мебели, посуды, созданию новых тканей, рабочей одежды, плакату, книжной графики, фотоискусству, театрально- оформительскому искусству.

Костумбризм - стиль точного воспроизведения.

Костумбризм — (исп. costumbrismo, от costumbre — нрав, обычай), направление в литературе и изобразительном искусстве Испании и Латинской Америки XIX в. В основе изобразительного искусства Костумбризма (вызванного подъёмом национального самосознания народов и часто связанного с научным изучением страны) лежало стремление к документально верному изображению природы, бесхитростному, внимательному и точному воспроизведению характерных черт и красочных особенностей народной жизни и быта; вместе с тем этнографический мотив в произведениях костумбристов нередко превращался в любовно воссозданную, подчас идилличную жанровую сцену.
 Костумбризм осознал эстетическую ценность национальной природы и событий повседневной жизни, ввёл в круг латиноамериканского искусства образы простых людей. Значительная школа костумбристов сложилась на Кубе (Э. Лапланте, В. П. де Ландалусе, Ф. Миале), а также в Колумбии (Р. Торрес Мендес), Аргентине (К. Морель), Уругвае (X. М Беснес-и-Иригойен), Чили (В. Перес Росалес, М. А. Карро), Мексике (X. А. Аррьета) и других странах.