Геометрический абстракционизм - течение в абстрактном искусстве.

Геометрическая абстракция ( другие названия — холодная абстракция, логический, интеллектуальный абстракционизм) — течение в абстрактном искусстве в основе которого лежит создание художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий.

С момента возникновения абстракционизма в нем четко определились два направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Если символика геометрического абстракционизма призвана отразить некие устойчивые «субстанциональные» состояния, то абстракции Кандинского и его последователей, наполненные пульсирующими формами, сложными ритмами и мерцающим цветом, сосредоточивают внимание на динамике процесса. После Второй мировой войны эстетические концепции абстракционизма теряют свою метафизическую символику: абстрактная форма теперь соотносится лишь с теми или иными проявлениями природы и социального мира или рассматривается как фиксация психических состояний художника. Последнее обстоятельство превратило понятие «абстракционизм» в расхожий символ формализма в различных сферах искусства.

Готика - стиль в живописи.

Готика - период в развитии средневекового искусства, охватывающий почти все области материальной культуры и развивающийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Хотя термин «готический стиль» чаще всего применяется к архитектурным сооружениям, готика охватывала также скульптуру, живопись, книжную миниатюру, костюм,орнамент.

Готика зародилась в середине XII века на севере Франции, в XIII веке она распространилась на территорию современных Германии, Австрии, Чехии, Испании, Англии. В Италию готика проникла позднее, с большим трудом и сильной трансформацией, приведшей к появлению «итальянской готики». В конце XIV века Европу охватила так называемая интернациональная готика. В страны Восточной Европы готика проникла позднее и продержалась там чуть дольше — вплоть до XVI века.

Разнообразие стилей и мотивов живописи в эпоху готики, осложнявшееся стилистическими различиями между отдельными регионами, не позволяет нам дать готовую 'формулу', которая определила бы, что такое готическая живопись. Впрочем, многих исследователей это разнообразие не пугает: несмотря на все затруднения, они все же пытались сформулировать ясные принципы интерпретации готической живописи и ее основные характеристики. Чтобы выработать формулировку такого рода, необходимо провести четкие границы, — в данном случае границу между искусством готики и искусством Ренессанса.

Гиперманьеризм - одно из течений постмодернистской живописи.

Гиперманьеризм - (ipermanierismo — Итал.) - -одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого.

Гиперманьеризм возник в Италии в конце 70-х, а в начале 80-х — во Франции. Его важнейшим идейным источником стало творчество Джорджо де Кирико. Гиперманьеристы (или анахронисты) вдохновляются искусством мастеров прошлого (Возрождения, маньеризма, барокко), которых они перефразируют, пародируют. По сути своей, гиперманьеристы — стилизаторы, обратившиеся к анализу искусства прошлого.

Гиперманьеризм  возник в Италии в начале 80-х гг. (термин ввел художник -  критик  И. Томаччони). Его важнейшим духовным источником яляется творчество  Джорджо де Кирико. Среди ближайших предшественников — итальянские художники и искусствоведы 70-х гг. (Л. Онтани, Д. Паолини), обратившиеся к критическому анализу истории искусства с позиций концептуализма.

Гиперманьеризм  — парадоксальное сочетание «возврата к живописности» с концептуальным проектированием творчества; его результатом явились полистилистика, полижанровость, сложное переплетение живописного и литературного, широко применяется в кинемотаграфии.

Граффити. Искусство "царапать" стены.

Граффити (итал. Graffiti, от graffiare — царапать; другое название spray-art — «пульверизаторное искусство») — произведения, представляющие собой крупноформатные изображения на стенах зданий и сооружений, выполненные с помощью аэрозольных баллончиков с краской.

Граффити  — движение в искусстве, возникшее в молодежной культуре США и распространившееся в Европе 1960—1970-х гг. Граффити — искусство улиц, и художники, в основном молодые люди, используют в качестве живописного материала разноцветные спреи (краски в баллончиках). Роль холста играют стены зданий, общественный транспорт, заборы. Некоторые представители этого направления рисуют разноцветными мелками, например Кейт Харинг. Как широкое движение оформился в 1970-е гг. с массовым появлением разных надписей на вагонах нью-йоркского метро, на стенах общественных зданий и магазинов. Первыми граффитистами были выходцы из этнических меньшинств и маргиналы, выражавшие подобным образом протест против своего бесправного положения. К началу 1980-х гг. сформировалось уже целое направление полупрофессиональных художников, некоторые даже пытались выставлять свои творения в галереях и получили известность в художественных кругах.

Гохуа - направление в китайской живописи.

Гохуа  (чжунгохуа) — традиционалистское направление в китайской живописи, возникшее на рубеже XIX-XX вв.; живопись минеральными и растительными водяными красками и черной тушью, для нее характерно применение выработанных в древности приемов и сохранение традиционных средневековых жанров.

Живопись гохуа — это традиционная китайская живопись. Как утверждают историки, истоки китайской живописи восходят к узорам и изображениям людей и животных на расписной керамике неолита, отдаленного от нас на 5−6 тысячелетий.

С самого начала китайской живописи образы создавались посредством линейного рисунка. Это одна из отличительных черт китайской живописи по сравнению с европейской. В западных традиционных картинах маслом, в акварелях можно совсем не заметить линию, как таковую. В китайской же живописи, наоборот, редки произведения, творцы которых обходились без нее.

Китайская живопись требует разносторонней подготовки художника. Приступая к рисованию, художник, как правило, уже обдумал стихотворное сопровождение, которое он надпишет на картине, каллиграфический стиль, каким он напишет это сопровождение, и место, где лучше всего поставить печать. Стихотворная надпись призвана дополнить образное содержание картины, сделать все произведение гармоничным. Красный цвет печати, контрастируя с черно-белым и цветным фоном картины, придает картине особый нюанс, делает ее законченной. В целом картина должна стать органическим единством поэзии, каллиграфии, живописи и граверного искусства (последнее проявляется в оттиске с печати).

Гун-би - техника китайской живописи.

Гун-би — «тщательная кисть» — техника традиционной китайской живописи, соответствующая стилистическому направлению се шэн («писать жизнь/натуру»). Предназначена для тонкого письма, передающего мельчайшие детали изображаемого объекта.

Применяется как для зарисовок с натуры, так и для прописывания отдельных элементов композиции или всего произведения. Основу техники гун-би составляют моделирующие штрихи цунь. Каждому из десятков видов штрихов соответствует определенный угол наклона кисти, сила ее нажима и направление прописывания.

Штрихи накладываются в строго определенной последовательности. Техника подразумевает многократное прописывание высохших слоев, что позволяет создавать богатые колористические эффекты. Техника гун-би применялась во всех жанрах традиционной китайской живописми.

Дадаизм - направление в искусстве.

Дадаизм  -  (dadaism  - франц. dada — деревянная лошадка), в переносном смысле — бессвязный детский лепет, авангардистское литературно-художественное течение в европейском и американском искусстве, возникшее как протест против традиционных моральных и культурных ценностей.

Дадаизм возник в Цюрихе, в Швейцарии, придерживающейся во время войны нейтралитета. В то время в Швейцарию ехали со всей Европы беженцы, высланные из родной страны люди, а также дезертиры. У слова дадаизм есть несколько значений, это и деревянная лошадка, от французского dadaisme, и двойное согласие «да-да» в русском и румынском, и в переносном смысле детский бессвязный лепет, — в общем дадаизм не имеет точного толкования, что и нужно было основателям этого течения, которое имеет размытые рамки. Дадаизм даже часто называют антиискусством.

Декаданс в живописи.

Декаданс (от франц. decadence или от лат. decadentia — упадок) — направление в литературе и искусстве конца XIX — начала XX вв., отличающееся сопротивлением общественной «мещанской» морали, культом красоты как самодовлеющей ценности, которая часто идёт наряду с эстетизацией греха и порока, двойственными переживаниями отвращения к жизни и искусного наслаждения ею. Декаданс — одно из центральных понятий в критике культуры Ф. Ницше, который связывал декаданс с возрастанием роли интеллекта и ослаблением изначальных жизненных инстинктов, «воли к власти». Период декаданса пропитан безнадёжностью, разочарованием, упадком жизненных сил и эстетизмом.

Традиционное искусствознание рассматривает декадентство как обобщающее определение кризисных явлений европейской культуры 2-й половины XIX — начала XX веков, отмеченных настроениями уныния, пессимизма, болезненности, безнадёжности, неприятия жизни, крайнего субъективизма (при сходственных, близких к тенденциозным, эпатирующих формулах и штампах — стилистических приёмах, пластике, композиционных построениях, акцентуациях и т. д.). Это сложное и противоречивое явление в творчестве вообще, имеет источником кризис общественного сознания, растерянность многих художников перед резкими социальными контрастами, — одиночество, бездушие и антагонизмы действительности. Отказ искусства от политической и гражданских тем художники-декаденты считали проявлением и непременным условием свободы творчества. Постоянными темами являются мотивы небытия и смерти, отрицание исторически сложившихся духовных идеалов и ценностей.

Гжель

Гжель — это один из крупнейших гончарных промыслов не только в Московской области, но и во всей России, в котором участвуют около 30 сел и деревень бывшей Гжельской волости. Первые упоминания в летописях об этих краях восходят еще ко времени правления Ивана Калиты. Гончарными ремеслами здесь занимались издавна, изготовляли всевозможные тарелки, квасники, игрушки, расписанные керамическими красками. Мастера Гжели постоянно находились в поиске новых форм и технологий производства керамики. Примерно до 14 века в Гжели изготавливали гончарную посуду, а начиная с 17 века начали делать «чернолощеную» керамику, «муравленую» посуду, которая имела свойство не пропускать воду. «Муравленой» называли посуду, покрытую глазурью, обычно коричневой или зеленоватой.

Гжельские изделия привлекают к себе всех, кто любит прекрасное, богатой фантазией и гармоничностью, высоким профессионализмом их создателей. Гжель — это колыбель и основной центр русской керамики. Здесь сформировались ее лучшие черты и проявились высшие достижения народного искусства.

Дивизионизм - стиль в живописи.

Дивизионизм  - ( фр. divisionnisme, от deviser — делить) — живописный метод, основанный на целенаправленном разложении сложного цветового тона на спектрально чистые цвета, которые точками различной конфигурации наносятся на холст, а затем при восприятии картины зрителем с определенного положения оптически сливались в нужный художнику цвет в сетчатке глаза.

Элементы дивизионизма ярко проявляют себя уже в пленэрной живописи импрессионистов, которые использовали этот метод скорее интуитивно, руководствуясь эмоциями и наблюдательностью, нежели знаниями и рассудком.

Основоположниками дивизионизма считаются художники-неоимпрессионисты Жорж Сёра и Поль Синьяк, которые попытались довести до логического завершения эмпирические находки своих предшественников, соединив воедино искусство и науку. Опираясь на психофизиологию восприятия цвета и теоретические труды Эжена Шеврёля , Огдена Руда и Германа Гельмгольца, они научно обосновали новый живописный метод и практически применили его в своем творчестве.

Древнерусское искусство,древнерусская живопись.

Древнерусское искусство — одно из самых замечательных явлений народного творчества. Созданные древнерусскими художниками произведения по праву получили в наше время мировую известность.

Древнерусская живопись привлекает яркостью красок, удивительной выразительностью образа, ясностью композиций. Тонкий вкус и понимание цвета, глубина, сдержанность и благородство в выражении чувств, терпение и любовное отношение к творческому труду были свойственны древнерусским художникам. Русские мастера овладели техникой живописи и приемами, шедшими из глубины веков, из Византии, откуда с введением христианской веры пришел к нам культ святых и способы их изображения. В условиях феодализма, стесненные церковными правилами, древнерусские художники сумели тем не менее создать шедевры в области живописи, архитектуры и скульптуры. Первый расцвет древнерусского искусства падает на XI-XII века — эпоху Киевского государства. Утонченность и совершенство, с которыми выполнены наиболее ранние из дошедших до нас памятников древней живописи (мозаики и росписи Софийского собора в Киеве, собора Михайловского монастыря, иконы, предметы ювелирного искусства), говорят о существовании в то время крупных художников.

Первоначальный период нашей живописи очень сложен, образы в иконах лишены того примитивного характера, который свойствен начинающему искусству.

Живопись жёстких контуров

Живопись жёстких контуров - (Hard-edge painting) — живопись, которая содержит фигуры (часто, но не обязательно, геометрические) с резкими, чёткими контурами. Этот стиль связан с геометрической абстракцией, постживописной абстракцией и живописью цветового поля. Термин был предложен писателем, куратором и арт-критиком «Лос-Анджелес Таймс» Жюлем Лангснером (англ.) в 1958 году. Хотя это определение можно было бы применить и к таким направлениям как пуризм, чаще под живописью жёстких контуров подразумевают тип живописи, который возник как реакция на спонтанность и живописную технику абстрактного экспрессионизма.

В конце 1950-х Лангснер и Peter Selz, в дальнейшем профессор Claremont Colleges, заметили общие черты в работах John McLaughlin, Lorser Feitelson, Karl Benjamin, Frederick Hammersley и Helen Lundeberg. Лангснер был куратором выставки Four Abstract Classicists открытой в Los Angeles County Museum of Art в 1959. Эта выставка получила подзаголовок California Hard-edge, который был добавлен британским арт-критиком и куратором Lawrence Alloway, когда демонстрировалась в Великобритании. Затем термин получил более широкое применение, когда Alloway использовал его для описания современной американской геометрической абстракции.

Живопись цветового поля - абстрактная живопись больших плоскостей.

Живопись цветового поля (англ. Color Field) — род абстрактной живописи, в основе которой лежит использование больших плоскостей однородных цветов, близких по тональности и не центрированных. Термин принадлежит американскому историку и теоретику авангардного искусства Клементу Гринбергу.

Клемент Гринберг - американский арт-критик, оказавший большое влияние на развитие современного искусства
 Авангард и китч

Клемент Гринберг родился в Бронксе старшим из трёх сыновей в семье еврейских иммигрантов из Российской Империи. Известность как арт-критику Гринбергу принесла его статья «Авангард и китч», впервые опубликованная в троцкистском журнале «Partisan Review» осенью 1939 года.

В статье Гринберг противопоставляет две главных, по его мнению, тенденции в искусстве — авангард, как продолжение академического искусства в новых условиях и китч, как порождение буржуазной пропаганды. Авангард и искусство модернизма, как писал Гринберг, были способом сопротивления уничтожению культуры буржуазной пропагандой.

Иероглифический или каллиграфический абстракционизм.

Иероглифический абстракционизм  - (другое название каллиграфический абстракционизм) — течение в абстрактной живописи, в основе которого лежит имитация приемов китайской и японской каллиграфии (искусства красивого и четкого письма).

Особенностью иероглифического абстракционизма является манера письма: свободно нанесенные мягкой кистью мазки уподобляются знакам восточной письменности, идеограммам, сграффити, клинописным иероглифам. Совмещая, стилизуя, интерпретируя их, художник создавал свою форму письменности, с помощью которой «писал» послание людям.

Основателем этого направления считается американский художник-абстракционист Марк Тоби (1890—1976). В середине 1930-х годов он путешествовал по Дальнему Востоку, где изучал искусство каллиграфии и философию дзэн-буддизма. Увлечение культурными традициями Китая и Японии вылилось в создание им нового стиля — «абстрактного каллиграфизма», который сам Тоби называл «белыми письменами». Суть его была в том, что холст полностью покрывался каллиграфическими элементами, из которых нельзя было выделить какие-либо отдельные формы.

Боди-арт или искусство тела.

Боди-арт — (англ. body-art — искусство тела) — одна из форм авангардного искусства, где главным объектом творчества становится тело самого художника (или модели), а содержание раскрывается с помощью поз, жестов, а также нанесенных на тело знаков. Тело рассматривается как вещь для манипулирования, объект собственности, которым каждый вправе распоряжаться по своему усмотрению, при этом повышенный интерес художники проявляют к пограничным экзистенциальным ситуациям: жизнь — смерть, Эрос — Танатос, сознание — бессознательное; другая доминанта в Боди-арт — садомазохистские мотивы, фрейдистская символика, сексуальная самоидентификация. Будучи проявлением акционизма, Боди-арт сближается (но не тождествен) с рядом явлений, возникших в русле контркультуры (в частности панк-культуры 1970-х гг. с ее проблемами агрессии и саморазрушения) — татуированию и раскрашиванию тел, нудизму, «сексуальной революции».

Видео-арт - направление в изобразительном искусстве.

Видео-арт  — (англ. video-art — видеоискусство) — направление в изобразительном искусстве последней трети XX в., использующее для выражения своей художественной концепции возможности видеотехники, компьютерного и телевизионного изображения.

Появление видео-арта связывают с началом выпуска японской фирмой «Sony» портативных видеокамер, а основоположником считают американца корейского происхождения Нам Джун Пайка, снявшего с помощью такой камеры первое произведение видео-арта — проезд Папы Римского по улицам Нью-Йорка.

Инсталляция - художественная пространственная композиция.

Инсталляция — (англ. installation — сборка, установка, размещение, монтаж) — пространственная композиция, созданная художником из различных элементов — бытовых предметов, промышленных изделий и материалов, природных объектов, фрагментов текстовой и визуальной информации; способ экспозиции художественных произведений, благодаря которому выставленные объекты активно распространяются в пространстве, «привязываясь» к нему, подобно некой сценической конструкции, занимая порой целые залы.

Звериный стиль. Изображение животных.

Условное наименование широко распространённого в древнем декоративно-прикладном искусстве Азии и Европы типа декора, отличительной чертой которого были стилизованные изображения отдельных животных, частей их тепа или сцен борьбы зверей.

Хотя изображения животных (наскальные росписи, мелкая и монументальная пластика) появились в искусстве в эпоху палеолита и широко встречаются в памятниках первобытной художественной культуры в Европе, Азии, Африке и др. районах, звериный стиль как характерный вид декора сложился и широко распространился (преимущественно в степях и лесостепях Евразии) в железном веке (1-е тыс. до н. э.), в эпоху разложения родоплеменного строя и формирования военной демократии. Его происхождение связано с пережитками тотемизма (культа животных — прародителей рода) и утверждением роли воина — племенного вождя.

Первоначально декор в зверином стиле характерен для оружия и деталей конской упряжи, но впоследствии широко встречается в ювелирном искусстве (на ожерельях, браслетах, ручках зеркал и т. п.). В наиболее развитом виде звериный стиль выступает у скифов, саков, древних алтайцев, фракийцев и сарматов и ведёт своё происхождение, по мнению ряда исследователей, от древнего искусства Передней Азии.

Интимизм - стиль живописи.

Интимизм  - (фр. intime от лат.intimus — самый глубокий, внутренний) — разновидность жанровой живописи, получившая развитие в работах художников-неоимпрессионистов. «Интимистами» критики называли членов группы Наби, в частности Пьера Боннара и Эдуарда Вюйара, главной темой творчества которых было изображение частной жизни человека, ее неспешно текущих событий, радостей и удовольствий. Сцены семейных обедов, бесед на террасе и прогулок в вечерний час, веселых игр, полуденного отдыха, чтения книг и занятий рукоделием — типичные сюжеты их произведений.

Важной составляющей работ художников-интимистов были цвет и композиция. При помощи цвета они организовывали пространство произведения, создавая ощущение единства и логического завершения. Стремясь передать атмосферу домашнего уюта и тепла, интимисты использовали палитру сложных цветовых оттенков, в которых преобладали теплые хроматичные тона. Не последнюю роль в их картинах играл свет: мягкий, электрический, льющийся из-под абажура лампы, или яркий солнечный, но каждый раз являющийся частью создаваемого художником необходимого картине настроения. Вообще, настроение — суть интимизма. Боннара и Вьюйара мало интересуют люди, они, скорее стаффажные фигурки, размещенные в художественном пространстве, нежели главные герои полотен.

Информализм или информель - стиль в живописи.

Информализм — направление в искусстве, которое возникло в середине 20-го века во Франции, а точнее в ее столице, в Париже. Зачастую под этим понятием объединяют разные течения в абстрактном направлении искусства, которое возникло после Второй мировой войны в Европе.

Определение «Информализм» можно применить в роли собирательно для множества течений в абстрактом искусстве 50-х годов. К примеру, ташизм можно рассматривать как своеобразную категорию информализма, так и появившееся из него отдельное художественное течение. Информализм считается таким же емким понятием, как и лирическая абстракция, которая появилась приблизительно в то же время.

Информализм организовался в 1945−46 годах в столице Франции, в рамках известной и почитаемой «Парижской школы», в роли противоположности геометрическому абстракционизму. Название данному художественному направлению дало наименование «signifiance de l’informel», которые было использовано в те годы на парижской выставке искусств. В 1948-м году ввиду набравшего популярность течения информализма создается художественная группа деятелей искусств КОБРА.